Руководство по аранжировке песни от Tarekith

Одной из наиболее распространенных проблем еще неопытных композиторов является превращение лупа из обычно 8 тактов, которую они создали, в полноценную песню. У вас уходят часы на совершенствование интересного грува, он уже реально вызывает у вас бурю восторга, да и все ваши друзья называют его самым крутым кусочком звука из всех когда-либо слышимых ими.

Как же этот маленький зачаток идеи превратить в то, что аудитория захотела бы слушать снова и снова?

Эта статья посвящена рассмотрению различных найденных мною способов, которые способствуют ускорению этого процесса и делают его менее сложным, чем он может показаться.

И, как всегда, отмечу, что мои советы не стоит воспринимать как истину в последней инстанции. Экспериментируйте со своими собственными идеями или пробуйте изменять идеи, изложенные здесь, для усовершенствования своего собственного стиля сочинения музыки.

Перед тем, как глубже рассмотреть способы превращения лупа в полноценную песню, давайте попробуем понять, почему так много начинающих композиторов застревает на стадии «создания лупа». По моему мнению, на то есть две основных причины:

• Это обуславливается оборудованием
• Увеличивается популярность уже готовых петель

Многие люди, которые используют аппаратные грув-боксы, знают концепцию паттернов, то есть небольших музыкальных фраз, длина которых, как правило, меньше 32 тактов. В свою очередь, паттерны соединяются в длинные песни, которые в основной своей массе представляют собой только сборники этих самых паттернов.

Поэтому уже с самого начала вы направлены на создание музыки в виде коротких кусочков повторяющейся мелодии. Этот принцип задействован не только в железе. При производстве программного обеспечения, к счастью или наоборот, используется позаимствованная у подобных устройств идея работы.

Такие программы, как Reason, Fruity Loops, и Acid базируются на принципе работы с паттернами. Зачастую это программы для новичков, которые легко приобрести и использовать. Вот и объяснение тому факту, почему у большинства людей никак не получается выбраться из этого этапа.

Другая причина трудности «выхождения из лупа» заключается в том, что большинство предпочитает применять готовые лупы в процессе написания песни. Достаточно просто включить программу, например, те же Ableton Live или Acid Sony, и пробовать соединять массу лупов в грув с хорошим звучанием.

Таким образом, вы можете в кратчайшие сроки получить результат, звучащий как завершенный песенный отрывок, не беспокоясь о таких аспектах, как структура песни и поддержание интереса со стороны слушателей в течение всего произведения.

Итак, как же приступить ко всем этим элементам и превратить их во что-то, что можно по праву назвать готовым продуктом?

Прежде всего, подумайте, что вы пытаетесь сказать своим произведением, в чем заключается его цель? Будет ли в ней присутствовать танцевальный настрой и энергия на протяжении всего времени? Или же будет иметь место постепенное нарастание и раскрытие?

Или, быть может, это завершающая песня на CD, интенсивность которой, наоборот, должна постепенно снижаться? Или у вас еще не сформировалась идея, а есть только определенные привлекательные звуки, которые вы намерены использовать в песне?

Как бы там не было, зафиксируйте письменно ваши намерения и не прячьте их далеко. Начав работать, очень легко отвлечься, и в таком случае возможность возврата к своей цели позволит избежать многих проблем в будущем.

Первое, что я советую, это настроить DAW таким образом, чтобы каждый звук был на своей собственно дорожке в окошках аранжировки/проекта/временной шкалы. Такой принцип сделает возможным перемещение различных частей песни, формирование ее очертаний и позволит вам визуализировать расположение этих частей, что особо актуально для начинающих.

И не столь важно, MIDI это или аудио. Эта простая рекомендация будет полезной в обоих случаях.

Затем определитесь с продолжительностью песни. Хотя бы примерной. У вас всегда остается возможность изменить ее в дальнейшем при желании. Для основной массы танцевальной музыки я бы советовал минут семь. В других музыкальных стилях можно начать где-то с 5 минут.

И снова же, вы всегда сможете внести изменения в продолжительность позже, поэтому не стоит чувствовать себя чересчур ограниченным по этому поводу и тем более переживать из-за этого. Бывает, люди хотят создать огромные эпические произведения, а в результате выходит затянутая песня, которую просто не смогли развить, так как надо.

Так что без серьезных на то причин не пытайтесь создавать 12-ти минутные «марафоны». Пишите короткую песню. Добавляйте ей вкуса, и внимание слушателя вам удастся удержать намного лучше.

Итак, перед нами чистый холст (уменьшенный масштаб пустого проекта песни, чтобы показать всю ее длину), и у нас есть наши песенные элементы (части лупа), размещенные по вертикали. Это имеет приблизительно такой вид:

По моему мнению, именно в этом месте многие застревают или не понимают, куда идти дальше. Можно провести аналогию с писателем, сидящим перед пустой страницей и незнающим, с чего же начать, или с художником, который смотрит на пустой холст и не решается сделать первый мазок.

Мы эту стадию обойдем, заполнив наш холст цветом. Для этого достаточно размножить все свои петли на всю длину песни. Холст следует заполнить так, чтобы больше не смотреть на пустую страницу. В результате должно получиться что-то подобное этому:

Я называю эту методику субтрактивным секвенсингом. Вы начинаете со всех элементов песни и удаляете кусочки, формируя таким образом структуру произведения. К этому мы еще вернемся, но сначала давайте разберемся в песенной структуре.

Если говорить по-простому, структура песни — это то, каким образом осуществляется ее прогресс от начала и до конца, игра каких элементов выполняется одновременно, а каких — по отдельности, какова продолжительность этой игры и пр., как связаны энергия песни и ее продолжительность.

Это поможет вам в понимании и представлении того, как структурировать свои песни при аранжировке. И даже если у вас пока нет подходящих идей, существует ряд простых принципов, которые помогут вам довольно быстро разобраться в этом вопросе.

Рассмотрим, например, ваш луп. В большинстве случаев результатом одновременного проигрыша всех элементов лупа станет максимальная энергия вашего трека. Звуковая информация больше вами не добавляется, так как уже все части вами задействованы.

Поэтому можно с уверенностью утверждать, что «пиковая» часть трека придется на эту точку. Вы можете наращивать или, иными словами, увеличивать энергию песни постепенно к этой точке, или же, наоборот, вы можете постепенно спускаться от этой точки, уменьшая энергию, или вы можете повторить это несколько раз в течение песни. Все зависит от вас, и как раз в этом случае я не могу вам ничего указывать.

Однако в целях обучения представьте, что вы хотите написать мелодию с постепенным нарастанием до этого пика на протяжении большей части песни и с последующим довольно быстрым фейд-аутом в конце.

На раннем этапе моего творчества я обычно быстро намечал график, который оказывал бы мне помощь при аранжировке всех частей песни. Но я изображал не сами части песни, а прогрессирование энергии или «возбуждения» трека в течение его продолжительности. Вот пример:

Видно, что начало песни довольно сдержанное, потом идет наращивание в течение первых нескольких минут, почти достигается пик, переход в «яму», а затем уже выход из ямы в пик, после чего наблюдается медленное возвращение уровня энергии вниз. Надеюсь, это достаточно увлекательно, чтобы подвигнуть людей прослушивать эту песню снова и снова.

Рисование подобных графиков в качестве руководства на самом деле может помочь вам представить, как будет выглядеть разложенная в DAW песня. Конечно, это музыка, и в этом случае необходимо использовать слух так же хорошо, как и зрение, но давайте честно признаемся, что на начальной стадии мы намерены визуализировать большинство процессов. И не забывайте, что это всего лишь один и многих методов разложения песни.

Я просто хочу использовать этот пример для рассмотрения процесса. Существует масса других способов прогрессирования песни со стороны энергии, поэтому не нужно думать, что именно эта форма — оптимальная.

В качестве следующего шага стоит перевести этот график энергии в уже написанные кусочки песни. Как я уже говорил, пик песни будет при одновременной игре всех частей, так что часть песни уже готова.

Теперь давайте разберемся с вступлением. Нам уже известно, что здесь будет мало событий, если сравнивать с пиком. Иными словами, у нас не будет очень много частей, которые играют одновременно, так что давайте выберем несколько интересных кусочков вашего лупа, которые, однако, не являются основными.

Можно использовать, например, перкуссионные партии, подклады, окружающие звуки, что-то такое, что привлечет внимание слушателя, но не раскроет преждевременно всю интригу.

По моему мнению, длительность в 16-32 такта является хорошей отправной точкой для вступления, хотя некоторые танцевальные композиции, скорее всего, нуждаются в большем количестве тактов.

Кроме того, в случае с клубной музыкой, возможно будет целесообразно позаботиться о сильном ритмическом элементе и во время вступления, чтобы у ди-джея была возможность при необходимости подогнать темп в процессе исполнения. Игра бочки в самом начале — не такая уж редкость, хотя в моем примере я немного подожду перед ее введением. Вот мои идеи для этой песни:

Как видно из рисунка, несколько элементов ударных, и несколько менее важных, или правильнее сказать, менее «мощных» синтезаторных элементов. То же самое касается и окончания песни.

Необходимо, чтобы одновременно играли только некоторые элементы, которые плавно сведут энергию вниз, позволяя слушателю постепенно выйти из настроя песни. И снова же, в случае с клубной музыкой вы, наверное, захотите сохранить ритмические элементы до самого конца, что даст ди-джею возможность перейти к другой композиции. Вот где мы сейчас:

Тут я опять немного пошел вперед и создал ряд локаторов, с помощью которых я могу видеть, как расположены различные части композиции — своеобразные визуальные ориентиры. Вернитесь к вашему графику энергии, чтобы видеть, где они должны находиться.

Я предпочитаю разложение секции песни в виде комплекта из 8 тактов: 16, 24, 32, 48 и т. д. С подобным разложением знакома основная масса слушателей, это такие длительности, после которых по привычке ожидаются изменения. Однако нет каких-то факторов, запрещающих вам делать это по-своему в случае необходимости.

Теперь рассмотрим части песни с низкой энергией, которые к тому же проще формировать как раз на начальной стадии. Давайте остановимся на яме. Опять же, здесь нужно снижать энергию таким образом, чтобы выход из ямы в пик был бы действительно захватывающим и привлекал интерес слушателя.

Удалим все части, кроме нескольких, попробуем различные комбинации деталей. Для того чтобы понять, какие части лучше всего работают вместе, рекомендуется использовать кнопки Mute в DAW. Мы же хотим дать слушателю почувствовать вкус пика впереди, но продолжаем дразнить его.

Как видно из моего примера, даже при наличии всего лишь нескольких элементов, которые одновременно играют во время вступления, концовки и ямы, я по-разному комбинирую звуки для каждого раздела. Таким образом, я исключаю возможность знакомого и повторяющегося звучания в разных частях.

Кажется, это уже приобретает вид настоящей песни.

Разберемся с затуханием, понижением энергии песни к ее окончанию, так как это довольно короткий раздел. После этого нам останется поработать с нарастанием. Я снова удаляю кусочки, опускаю энергию, но не уменьшаю ее слишком сильно, иначе это будет выглядеть как окончание песни.

В большинстве случаев я просто удаляю основной лидирующий инструмент либо же просто заменяю его другим, менее мощным. Не переборщите со звуками, которые слишком долго играют — вам ведь не нужно, чтобы один и тот же звук в течение всей песни вызывал скуку у слушателя.

Не ленитесь всегда слушать то, что вы делаете, и не экспериментируйте с различными комбинациями звуков, чтобы найти те, которые работают лучше всех. Причем нужно слушать не только каждую секцию в отдельности, но и переходы от предыдущей секции, и переходы к следующей секции.

В некоторых случаях это требует массы времени, чтобы течение песни от одной части к другой было плавным, без чересчур резких и агрессивных переходов. Не стоит торопиться, экспериментируйте, чтобы достичь лучших результатов. Вот тут мы находимся сейчас:

Теперь у нас осталось только нарастание, ведущее в яму. Это, как правило, самая сложная часть, так как тут уже стоит зацепить слушателя своей песней, но все еще не отдавать им все козыри.

Я бы сохранил главные лидирующие части до пика, акцентируя внимание на плавном добавлении большего количества частей, при этом стараясь, чтобы ни одна часть не была чересчур похожей. Зачастую именно на этом этапе я начинаю прослушивать песню от начала до конца, следя за тем, чтобы звучание этой секции не было слишком похожим на пик или затухание.

Учтите, что введенные сильные элементы песни, скорее всего, перекроют собой слабые партии. Может быть и такое, что слабые элементы просто отвлекут от более сильных частей, ослабят их влияние или добавят большей сумбурности в звучание песни, а это еще хуже.

В моем примере сильная партия под названием «Sync Lead» вступает в 49 такте, тогда же я удаляю гитару, некоторые из ударных и синтезаторов для более сильного выделения этой партии.

Это также позволит на время избежать чересчур «пикового» звучания, удерживая энергию немного ниже в этом разделе песни. Для небольшого повышения энергии трека непосредственно перед ямой я возвращаю обратно некоторые из удаленных партий. Ниже завершенное нарастание:

Хотя на самом деле нет. Многие на этой стадии, конечно, останавливаются, а потом удивляются, почему их песни не вызывают восхищения у слушателей. Просто это всего лишь черновик, базовая форма, и, по моему мнению, отнюдь не готовый продукт.

Определение секций — грубое, переходы из части к части — резкие и скучные. Реальный посыл к классному звучанию и желанию слушателя наслаждаться вашей песней снова и снова — это то, как проработаны переходы между частями, как они выстроены, насколько песня льется как единое музыкальное произведение.

На этом этапе вам следует позаботиться о добавлении заполнений (сбивок, брейков), автоматизировать эффекты и синтезаторы, сделать все возможное не только для статичного сохранения звучания частей песни, но и для проработки их таким образом, чтобы они подошли к следующей секции.

Нужно постараться добиться того, чтобы слушатели ожидали, что их ждет дальше. Даже если на самом деле вы намерены предоставить им то, чего они совершенно не ожидают. Песня интересна тогда, когда люди на подсознательном уровне знают, что произойдет. Тогда они погружаются в нее и чувствуют себя в некоторой степени участниками процесса формирования этой музыки.

Есть много способов добиться этого. Мы даже не будем рассматривать их здесь. Я просто предоставлю несколько наводок:

1. Применяйте разные варианты и сбивки ударных. Не бойтесь использовать разные варианты звучания главного барабана в медленных частях песни.

Одним из способов является уменьшение числа нот в паттерне или применение более тихих ударов барабана. Заполнения ударных можно использовать с целью обозначения изменения в песне. Пример: быстрая дробь малого барабана на последних тактах перед переходом в следующую секцию.

2. Записывайте новые звуковые эффекты. Для подведения слушателя к новому разделу применяйте различные плавные нарастания синтезаторных партий или уровней громкости в течение одного или двух тактов.

Записывайте барабанный удар с большим хвостом реверберации, после чего реверсируйте его. Так вы добьетесь нарастания звука реверберации к переходу в новый раздел. Однако не стоит обрывать его непосредственно в точке перехода. Использование реверберации при затухании этого удара позволит сделать звучание более естественным.

3. Позаботьтесь об автоматизации фильтров. Безусловно, это очень распространенное явление, но оно продолжает хорошо работать. При медленном открытии среза фильтра песня развивается куда более интересно. Часто подобное можно услышать на выходах из ям и на пиках мелодии. Это самый простой способ, с помощью которого скучные переходы можно сделать более интересными.

Кроме того, можно поэкспериментировать с другими параметрами, и даже попробовать сделать это в реальном времени с использованием ручек синтезатора или контроллера. В этом случае вы избежите необходимости прорисовки всех этих изменений в окне автоматизации.

Короче говоря, по моему мнению, этот способ — один из самых надежных приемов, которые помогают уйти от чересчур повторяющихся звучаний и постоянно развиваться.

4. Семплы из произнесенных слов. Они отлично подойдут для обозначения перехода, если, конечно, добавлять их в подходящих местах, избегая чрезмерного количества повторов.

5. Изменения эффектов. Поэкспериментируйте с использованием разных эффектов на одной и той же дорожке в разных частях композиции. Как вариант: чуток фленджера во время нарастания и немного тяжелого хоруса на пике. Проявляйте фантазию, но не переборщите, изысканность — вот то, что вам нужно.

6. Автоматизация громкости. Используйте громкость каждого участка с выгодой. Приближение изменений в песне можно почувствовать даже при небольших переменах в громкости. А чтобы переход был менее резким, можно плавно наращивать или убавлять громкость, а не резко выключать или включать звук.

Мне кажется, вы поняли основную идею. Как раз эти маленькие уловки так необходимы для плавного и в то же время интересного течения всей песни в целом и каждого перехода в частности.

У меня есть ряд песен, в которых я экспериментировал с добавлением чего-то каждые 8 тактов, и слушатель открывает для себя что-то новое при каждом следующем их прослушивании. Ведь более всего вам следует стремиться добиться постоянного интереса со стороны слушателя. Если ему скучно, то вы попадаете в их список композиторов, которые не стоят дальнейшего прослушивания, независимо от стиля музыки, в котором вы работаете.

Поэтому прослушивайте песню полностью от начала и до конца много раз, определяйте части со слишком длительным однообразным звучанием. Помните, что, если ваше внимание хоть немного ослабло на этих частях, то у других людей это выразиться намного сильнее.

Остановитесь на этих участках, поэкспериментируйте с различными комбинациями звука, с добавлениями в них чего-нибудь, чтобы сделать их более интересными. Оцените течение песни в целом. Отвечает ли она всем требованиям, прорисованным вами еще в начале? Если нет, то получилась ли она лучше первоначальной идеи или все же вам придется еще поработать с нею?

Не стоит торопиться. Делайте перерывы, которые помогут вам немного вернуться к реальности. Раз в несколько часов прерывайтесь, чтобы потом вернуться в работу со свежим слухом.

После этих перерывов слушайте всю песню, а не просто принимайтесь за небольшую часть. Сначала нужно убедиться в работе мелодии в целом, а потом уже концентрироваться на каком-то конкретном участке. Не забывайте, что ваша цель заключается в создании законченной песни, а не нескольких пусть и очень интересных тактов. Иначе вы вынуждены будете возвратиться туда, откуда начинали.

_____________________